Строение симфонии в музыке кратко

Классическая симфония.

Симфонии Й.Гайдна и В.А.Моцарта – блестящие образцы классического стиля. Части четко отделены друг от друга, каждая имеет самостоятельный тематический материал; единство цикла обеспечивается тональными сопоставлениями и продуманным чередованием темпов и характера тем. Струнные, деревянные духовые, медные духовые и литавры дают множество инструментальных комбинаций; лирическое начало, идущее от оперного вокального письма, проникает в темы медленных частей, разделов трио в третьих частях и в побочные темы других частей. Иные мотивы оперного происхождения (октавные скачки, повторения звуков, гаммообразные пассажи) становятся тематической основой быстрых частей. Симфонии Гайдна отличаются остроумием, изобретательностью тематического развития, оригинальностью фразировки, инструментовки, фактуры и тематизма; симфонии Моцарта отмечены богатством мелодики, пластичностью, изяществом гармонии и мастерским контрапунктом.

Превосходный образец классической симфонии конца 18 в. – симфония № 41 Моцарта (К. 551, до мажор (1788), известная под названием Юпитер. Ее партитура включает флейту, два гобоя, два фагота, две валторны, две трубы, литавры и группу струнных (первые и вторые скрипки, альты, виолончели, контрабасы). Симфония состоит из четырех частей. Первая, Allegro vivace, написана в живом темпе, в тональности до мажор, размере 4/4, в сонатной форме (т.н. форме сонатного аллегро: темы в первый раз появляются в экспозиции, затем развиваются в разработке, за которой следует реприза, обычно заканчивающаяся заключением – кодой). Вторая часть симфонии Моцарта написана в умеренном (moderato) темпе, в субдоминантовой тональности фа мажор, опять-таки в сонатной форме и носит певучий характер (Andante cantabile).

Третья часть состоит из умеренно подвижного менуэта и трио в до мажоре. Хотя каждый из этих двух танцев написан в рондообразной бинарной форме (менуэт – ААВАВА; трио – CCDCDC), возвращение менуэта после трио придает общей структуре трехчастность. Финал – это снова сонатная форма, в очень быстром темпе (Molto allegro), в основной тональности до мажор. Построенные на лаконичных мотивах темы финала излучают энергию и силу; в коде финала баховские приемы контрапункта сочетаются с виртуозностью моцартовского классического стиля.

Романтическая симфония.

С творчеством Бетховена симфония вступила в новый век. Свойственные его стилю резкие смены темпа, широта динамического диапазона, богатство образности, виртуозность и драматичность, иногда неожиданность появления и многозначность тем – все это расчистило путь композиторам романтической эпохи. Осознавая величие Бетховена, они стремились идти его путем, не теряя при этом собственной индивидуальности. Композиторы-романтики, начиная с Ф.Шуберта, экспериментировали с сонатной и другими формами, часто сужая или расширяя их; симфонии романтиков полны лиризма, субъективной экспрессии и отличаются богатством тембрового и гармонического колорита. Современник Бетховена Шуберт обладал особым даром создания лирических тем и необычайно выразительных гармонических последовательностей. Когда логика и упорядоченность классицизма уступили место субъективизму и непредсказуемости, характерным для искусства романтизма, форма многих симфоний стала пространнее и фактура тяжелее.

Среди немецких симфонистов-романтиков – Ф.Мендельсон, Р.Шуман и И.Брамс. Мендельсону, с его классичностью в областях формы и пропорций, особенно удались Третья (Шотландская) и Четвертая (Итальянская) симфонии, отразившие впечатления автора от посещения этих стран. Симфонии Шумана, на которые оказали воздействие Бетховен и Мендельсон, тяготеют к цикличности и одновременно к рапсодичности, особенно Третья (Рейнская) и Четвертая. В своих четырех симфониях Брамс благоговейно сочетает баховский по стилю контрапункт, бетховенский метод развития, шубертовский лиризм и шумановское настроение. П.И.Чайковский избежал типичной для западных романтиков склонности к подробным программам для симфоний, а также использования вокальных средств в этом жанре. В симфониях Чайковского, одаренного оркестратора и мелодиста, запечатлена склонность автора к танцевальным ритмам. Симфонии другого талантливого мелодиста – А.Дворжака отличаются достаточно консервативным, воспринятым от Шуберта и Брамса, подходом к симфонической форме. Глубоко национальны по содержанию и монументальны по форме симфонии А.П.Бородина.

В конце 19 в. творчество ряда талантливых симфонистов, среди которых каждый обладал ярким индивидуальным стилем, ознаменовало финальный этап классико-романтической традиции с ее преобладанием сонатной формы и определенных тональных отношений. Австриец Г.Малер насытил симфонию тематизмом, берущим истоки в его собственных песнях, в танцевальных мотивах; нередко он прямо цитировал фрагменты из народной, религиозной или военной музыки. В четырех симфониях Малера используются хор и солисты, и все десять его симфонических циклов отмечены необычайным разнообразием и изощренностью оркестрового письма. Финн Я.Сибелиус сочинял симфонии абстрактного характера, проникнутые глубоким чувством; для его стиля типично предпочтение низких регистров и басовых инструментов, однако в общем его оркестровая фактура остается ясной. Француз К.Сен-Санс написал три симфонии, из которых наиболее известна последняя (1886) – т.н. Органная симфония. Самой популярной французской симфонией этого периода можно, пожалуй, назвать единственную симфонию С.Франка (1886–1888).

Превосходным примером постромантической симфонии конца 19 в. является Вторая симфония до минор Малера, законченная в 1894 (ее иногда называют Воскресение в связи с содержанием хорала в последней части). Гигантский пятичастный цикл написан для большого оркестрового состава: 4 флейты (в том числе пикколо), 4 гобоя (в том числе 2 английских рожка), 5 кларнетов (из них один басовый), 4 фагота (из них 2 контрафагота), 10 валторн, 10 труб, 4 тромбона, туба, орган, 2 арфы, две солистки – контральто и сопрано, смешанный хор и огромная ударная группа, включающая 6 литавр, большой барабан, тарелки, гонги и колокола. Первая часть носит торжественный (Allegro maestoso) маршеобразный характер (размер 4/4 в тональности до минор); в отношении структуры это развернутая сонатная форма с двойной экспозицией. Вторая часть разворачивается в умеренном темпе (Andante moderato) и по характеру напоминает изящный австрийский танец лендлер. Эта часть написана в тональности субмедианты (ля-бемоль мажор) в размере 3/8 и в простой форме АВАВА. Третья часть отличается плавностью течения музыки, она написана в основной тональности и в размере 3/8. Это трехчастное скерцо является симфоническим развитием одновременно сочиненной Малером песни Проповедь св. Антония рыбам.

Романтики – консерваторы и антиглобалисты

Второе обстоятельство, которое непременно надо учитывать, рассуждая о симфониях эпохи романтизма, – это уже упоминавшееся мною всеобщее преклонение перед Бетховеном. Стремление соответствовать высоким бетховенским стандартам привело к мощному «замораживанию» формы, продержавшейся неизменной почти сто лет.

Вот так должна была выглядеть типичная романтическая симфония:

Первая часть. Суровое (вариант: безмятежное) медленное вступление, затем энергичная главная тема, затем «светлая», «лирическая» и «напевная» побочная, затем динамичная разработка, затем реприза, а в конце торжествующая кода (торжествовать могут как светлые, так и тёмные силы).

Вторая часть. Безмятежное, созерцательное адажио, напоённое звуками природы, дышащее спокойствием и порой подёрнутое лёгкой грустью.

Третья часть. Искромётное (вариант: зловещее), остроумное скерцо.

Четвёртая часть. Безудержный торжественный финал, сверкающий весельем. Колоритные народные мотивы утверждают торжество света, радости, любви – в общем, триумф воли, человеческого духа и разума! Использование народных мелодий в финале было допустимой в приличном обществе «антиглобалистской» выходкой, и быстро сделалось самым настоящим штампом.

Итак, практически весь XIX в. композиторы занимались тем, что упражнялись в сочинении подобных опусов и соревновались, чьё написанное по данному трафарету сочинение будет лучше. Иногда меняли местами вторую и третью части (как Бетховен!), иногда писали больше четырёх частей и давали частям литературные заглавия (тоже как Бетховен!) Возможно, именно поэтому великий композитор-реформатор Вагнер практически не писал симфоний. Так, написал одну по молодости, а потом бросил это скучное занятие.

О том, что жанр симфонии устарел и нуждается в кардинальном обновлении, говорили многие. Например, русские композиторы «Могучей кучки» во главе со своим «идеологом» Владимиром Стасовым. Однако и в России дальше разговоров дело не пошло. Тот же глава «кучкистов» Милий Алексеевич Балакирев написал две очень хорошие, но совершенно «правильные» симфонии.

Петр Ильич Чайковский

Разумеется, изображать творчество великих симфонистов XIX в. как упёртых и нетворческих рутинёров было бы вопиющей несправедливостью. И всё же нельзя не признать, что инерция формы была очень велика. Даже самые прозорливые из композиторов второй половины столетия – в первую очередь Брамс, Брукнер, Чайковский – направляли свою фантазию главным образом на то, чтобы наполнить старую форму новым содержанием. Нетрудно догадаться, однако, что от этого нового содержания старая добрая форма начала предательски трещать по швам.

Вместе с тем шла плавная эволюция симфонического оркестра. Какие-то инструменты не «прижились», вместо них вводились новые. Общий состав потихоньку увеличивался, приближаясь к сотне музыкантов. В итоге, как я уже писал, к концу столетия симфонический оркестр стал универсальным инструментом, способным к передаче самых тонких чувств и настроений, к созданию каких угодно звуковых эффектов.

И вот на рубеже XIX и XX столетий симфоническая форма не выдержала всех накопившихся перемен и претерпела большой взрыв. Симфония росла, увеличивалась в размерах, в составе исполнителей и лопнула в конце концов. Из-под гнёта вырвались на свободу целые ни на что не похожие миры – такие как симфонии Малера или Скрябина, – а из обрывков старой оболочки стали шить как вошедшие в моду костюмчики в стиле «ретро» (пример: «Классическая симфония» Прокофьева), так и порой ни на что не похожие вещи.

Каноны рухнули, а новых не появилось. В итоге симфониями стали называть вообще всё что угодно: произведения для любых составов, любой формы и с любым количеством частей. Восьмая симфония Малера, например, занимает всю программу концерта, и в её исполнении задействовано около тысячи человек.

А некоторые симфонии Галины Уствольской (единственной женщины, бывшей ученицей Шостаковича) длятся меньше десяти минут и рассчитаны, подобно камерным ансамблям, всего на нескольких исполнителей

Названием «симфония» в данном случае автор просто хотела уведомить слушателей, что считает это произведение крайне важной частью своего творчества

Вот такая удивительная эволюция понятия и жанра.

Кстати:

В Москве пройдет новая лекция проекта “Пётр Чайковский. Шедевры”

Фестиваль «Бахослужение» в Калининграде объединил музыкантов из России, Японии и Италии

Сатанинская гордость Рихарда Вагнера

Частичка Бетховена вернулась в Вену

«Нюрнбергские мейстерзингеры» — масштабная оперная премьера в Мариинском театре

Ольга Мартынова выступит на фестивале «Gnessin Air» с программой «Двое великих»

Двадцатый век.

Резким контрастом к разросшимся позднеромантическим циклам Малера явились тщательно отделанные неоклассические симфонии таких французских авторов, как Д.Мийо и А.Онеггер. В неоклассическом (или необарочном) стиле писал русский автор И.Ф.Стравинский, который наполнил традиционные симфонические формы новым мелодическим и тонально-гармоническим материалом. Немец П.Хиндемит тоже сочетал формы, пришедшие из прошлого, с остро индивидуальным мелодическим и гармоническим языком (для него характерно предпочтение интервала кварты в тематизме и аккордике).

В начале 20 в. американец Ч.Айвз сочинил ряд авангардных симфоний, в которых использованы оркестровые кластеры, четвертитоновые интервалы, полиритмия, диссонантное гармоническое письмо, а также коллажная техника. В следующем поколении несколько композиторов (все они учились в 1920-х годах в Париже у Нади Буланже) создали американскую симфоническую школу: это А.Копленд, Рой Харрис (1898–1981) и У.Пистон. В их стиле благодаря элементам неоклассицизма ощутимо французское влияние, но все же их симфонии создают образ Америки с ее просторами, пафосом и природными красотами. Симфонии Роджера Сешнса отмечены сложностью и прихотливостью хроматических мелодических линий, напряженностью тематического развития, обилием контрапункта. Уоллингфорд Риггер в своих симфониях применял серийную технику А.Шёнберга; Генри Коуэлл использовал в симфониях такие экспериментальные идеи, как мелодии гимнов в фугированной разработке, экзотические инструменты, звуковые кластеры, диссонантный хроматизм.

Научные доклады

Что такое симфония?

Во времена Античности так назывались пения ансамбля или хора в унисон и вообще любое сочетание тонов. В Средневековье слово ушло из употребления. О симфонии заговорили только в эпоху Возрождения и то в форме многоголосных вокальных сочинений – канцон, мадригал. От вокальной музыки симфония начала отделяться в XVIII веке и развиваться как отдельное направление. Классический вид она обрела в период 1780 – 1790 годов благодаря усилиям Йозефа Гайдна.

Почему Гайдна называют отцом симфонии?

В творчестве Гайдна симфония приобрела окончательный вид и созвучность. Бетховен и Моцарт продолжили начатое композитором и открыли новые возможности и звучание симфонии. Тогда она стала важным и центральным жанром музыки.

Сколько частей в симфонии?

Классическая симфония состоит из 4 контрастных частей, которые образуют сонатно-симфонический цикл.

• Первая часть классической симфонии. Она действенная, энергичная, в быстром темпе. Занимает главное положение в цикле. Композиторы для нее избирают самую сложную форму – сонатную. Это дает возможность сравнить контрастные и конфликтные образы: сумрачный и светлый, героический и лирический, торжественный и нежный. В ходе первой части образы развиваются и приобретают новый характер.
• Вторая часть. Обычно это медленная часть, определяемая созерцательными, лирическими настроениями. Ее характер определяется мелодиями, которые близки к романсу и песни.
• Третья часть – менуэт. Они подобным картинкам с натуры, зарисовкам. Так у Гайдна менуэт полон простонародного веселья; у Моцарта он более лиричен с нотками драматизма; Бетховен придал им живого, стремительного характера с юмористической окраской.
• Четвертая часть. Финал. Он пишется в быстром темпе с подведением итогов произведения. Часто последняя часть в стиле рондо — происходит круговорот вращений вокруг одной и той же темы.

Среди авторов симфонической музыки – Бетховен, Моцарт, Гайдн, Шуберт, Брамс, Брукнер, Дворжак, Малер. Чайковский, Бородин, Глазунов, Александр Скрябин, Рахманинов, Берлиоз, Стравинский, Шостакович, Караев.

Симфония примеры:

• Территория золотой орды кратко

    

• Теории демократического государства кратко

    

• Оценка истории карамзина современниками кратко

    

• Чумной бунт в севастополе в 1830 кратко и понятно

    

• Изменение эгп казахстана во времени кратко

Строение симфонии

Симфония – это многосатзовая оркестровая музыкальная форма, в которой происходит развитие музыкальных тем. Симфонии чаще всего исполняются в классическом стиле, но также могут иметь и другие формы.

Строение симфонии состоит из таких частей, как:

• 1. Вступление (или экспозиция) – это первая часть симфонии, в которой представляются основные темы;
• 2. Развитие – в этой части симфонии происходит развитие тем, с изменением состава инструментов и ритмов;
• 3. Рекапитуляция – в этой части основные темы повторяются, но уже в другом порядке и с другой оркестровкой;
• 4. Кода – эта часть является завершением музыкальной композиции, в которой звучат различные завершающие мотивы.

Также существует различное количество движений в симфонии (обычно от 3 до 5), каждое из которых может содержать указанные выше части. На втором и третьем местах в списке популярных симфоний чаще всего находятся 4-мовые симфонии.

Строение симфонии позволяет композитору создавать музыку с богатством содержания и бесконечными возможностями для творчества.

Нет правил без исключений

Петр Вильямс. Портрет Дмитрия Шостаковича. 1947. Центральный музей музыкальной культуры имени М.И. Глинки

Описанная типичная форма характерна для подавляющего большинства симфоний, созданных с конца XVII века и до наших дней. Однако нет правил без исключений.

Если в симфонии что-то идет «не по плану», это всегда отражает особый замысел композитора, а не его непрофессионализм или незнание. Например, если медленная («осмысляющая») часть симфонии меняется местами с менуэтом или скерцо, как нередко бывает у композиторов-романтиков XIX века, это может означать, что автор сместил смысловой акцент всей симфонии «вовнутрь», так как именно в третьей четверти музыкального произведения находится точка «золотого сечения» и смысловая кульминация всей формы.

Другой пример отклонения от типовой формы — еще одна часть, добавленная «сверх плана», как в Прощальной (45-й) симфонии Йозефа Гайдна, где после традиционного быстрого финала следует медленная, пятая часть, во время исполнения которой музыканты по очереди перестают играть и покидают сцену, гася свечи, закрепленные на их пюпитрах для нот

Этим нарушением канонической формы Гайдн, будучи руководителем придворного оркестра князя Эстерхази, привлек внимание своего работодателя к тому, что музыкантам долгое время не выплачивалась зарплата и они в буквальном смысле готовы были покинуть оркестр. Князь, прекрасно знавший форму классической симфонии, понял тонкий намек, и ситуация была разрешена в пользу музыкантов

Симфонический оркестр

История развития

Строение симфонии в музыке возникло в эпоху классицизма в XVIII веке. Ее создание связывается с именами таких композиторов, как Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и другие. Развитие симфонического жанра произошло благодаря ряду инноваций в композиционной технике и организации музыкального материала.

Основной элемент симфонии — это симфоническое сочинение, состоящее из нескольких частей. Изначально симфония имела три части: быструю, медленную и быструю. Впоследствии возникли симфонии с большим количеством частей, например, у Бетховена симфонии имеют уже четыре части.

Один из главных элементов симфонии — это оркестр, который играет значительную роль в создании общей гармонии и настроения произведения. В классической музыке оркестр составляют духовые, струнные и ударные инструменты.

Симфония является одним из самых масштабных жанров в музыке. Она не только включает в себя музыкальный материал, но и сопровождается определенными идеями и концепцией, которые композитор пытается передать через музыку. Симфония может вызывать у слушателя различные эмоции и оставаться в памяти навсегда.

Идем на концерт

Илья Репин. Славянские композиторы. 1872. Московская государственная консерватория имени П.И. Чайковского

Стандартный симфонический концерт состоит из увертюры и концерта для какого-нибудь инструмента (чаще всего для фортепиано или скрипки) с оркестром в первом отделении и собственно самой симфонии — во втором. Чаще всего исполняют либо увертюры из известных театральных произведений, либо имеющие собственный сюжет, который позволяет воспринимать музыку даже совсем неподготовленным слушателям — на внемузыкальном смысловом уровне. Инструментальные концерты композиторы пишут также в расчете на восприятие массового слушателя. С симфонией все кажется гораздо сложнее, но это только на первый взгляд.

Первые симфонии в том виде, к которому мы привыкли, появились во времена Йозефа Гайдна и во многом благодаря именно ему. Само слово «симфония», конечно, существовало задолго до композитора: оно в переводе с греческого означало «совместное звучание» и служило для обозначения самых разных музыкальных форм и жанров. Но именно в творчестве Гайдна, первого из венских классиков — симфония стала тем, чем она является сейчас.

Почти все симфонии строятся по одной и той же схеме и, фактически, рассказывают один и тот же по типу сюжет. Схему эту принято называть сонатно-симфоническим циклом, он состоит из четырех самостоятельных музыкальных частей. Эти отдельные музыкальные произведения в буквальном смысле выстраиваются, подобно архитектурным сооружениям, в соответствии с вполне конкретными и точными математическими закономерностями. Именно эти законы имел в виду герой пушкинского произведения Сальери, когда говорил, что он «поверил алгеброй гармонию».

Симфонический оркестр – символ глобализации?

Что такое симфонический оркестр, чем он отличается от просто оркестра. Ответ будет – своей регулярностью. Симфонический оркестр – это, как правило, не разрозненные музыканты, собравшиеся вместе, а постоянно существующий коллектив, который имеет возможность «сыгрываться» и звучать как единое целое. Кроме того, речь идёт ещё и о регулярности состава.

Симфонический оркестр образован определённым и весьма ограниченным набором инструментов. Струнных, скажем, всего четыре разновидности: скрипки, альты, виолончели и контрабасы. Духовых немногим больше. Всякая «некондиция» типа виолы д’амур или какого-нибудь шалюмо надолго ушла в прошлое, а музыка, написанная для таких «нестандартных» инструментов была приспособлена для исполнения симфоническими оркестрами или попросту забыта.

Возможно, именно тогда и зародилась международная музыкальная индустрия. Ведь это позволило симфонию, написанную, скажем, в Вене, с лёгкостью исполнять в Лондоне или в Петербурге. Таким образом, в XVIII в. музыкальный мир стал свидетелем подлинной революции и глобализации.

Конечно, тут могут возразить, что симфонический оркестр симфоническому оркестру рознь, и что, допустим, кларнет во Франции, в Германии и в России – это не совсем один и тот же инструмент. К примеру, Пётр Ильич Чайковский писал о проблемах, возникавших при разучивании его сочинений зарубежными оркестрами. Некоторые инструменты в некоторых регистрах звучали совершенно иначе, чем он привык и чем ему хотелось бы. Да, всё это так, и отчасти справедливо даже по сей день. Музыканты любят преувеличивать такие различия. И тем не менее, симфонический оркестр есть симфонический оркестр. «Макдоналдсы» вон тоже везде немножко разные.

Структура классической симфонии

I часть симфонии наиболее действенна и активна. Она чутко откликается на контрасты и противоречия, словно напоминая о том, как изменчива жизнь, как безостановочно ее движение.

В средних частях выдвигаются более устойчивые образы. Одна из них – медленная (как правило, идет после I части) – лирический центр симфонии. Это, по определению академика Б. Асафьева, «область размышлений о жизни, судьбе, любви, смерти, о природе…».

Далее, в оживленном менуэте или скерцо, находят отражение «игровые и танцевальные досуги человечества», многообразие картины быта. Наконец, в «устремленной, в почти всегда маршевой и гимнической поступи» финала возникает образ народа, общества. Классическая форма симфонии в завершении погружает слушателя в атмосферу коллективного действия, празднества или шествия.

Классическая форма симфонии. Сонатная форма

Поэтому именно в первой части сложилась особая музыкальная форма, способная воплотить бурную динамику жизни, конфликтное течение мысли, борьбу страстей. Эта новая форма получила название «сонатной» и, по словам С.И. Танеева, «стала самой совершенной из всех музыкальных форм».

Ее развертывание отдаленно напоминает действие драматической пьесы, Р. Роллан даже сравнивал сонатную форму с классической трагедией. Вначале композитор знакомит слушателя с «персонажами» – мелодиями, намечает завязку драмы. Затем действие развивается, обостряется, переходит в кульминацию, после чего подводится итог, наступает развязка.

Экспозиция

Мелодия, открывающая экспозицию, называется главной темой. Вскоре возникает вторая мелодия, именуемая побочной темой. Своим появлением она как бы опровергает, оспаривает главную тему, стремится вытеснить ее из сознания слушателя. Рождается ощущение неравновесия, неустойчивости. Окончание экспозиции внушает мысль: «продолжение следует»…

Разработка

Вслед за экспозицией наступает разработка – самый напряженный раздел сонатной формы. Темы, показанные в экспозиции, освещаются с новых, неожиданных сторон. Не только между темами, но и внутри них обнаруживаются ранее скрытые контрасты, возникают противоречия.

Мелодии расчленяются на короткие мотивы, они мелькают в разных голосах оркестра, сталкиваясь и переплетаясь. Состояние неустойчивости достигает критической точки, упорно требуя «разрешения», разрядки. Ее приносит реприза.

Реприза

Реприза (в переводе с французского – повторение, возобновление) восстанавливает первоначальный целостный облик тем, в ней закрепляются результаты их взаимодействия. Композитор либо «примиряет» основные образы, либо углубляет различия между ними.

Кода

Итоговый, резюмирующий характер в еще большей степени присущ примыкающему к репризе разделу коды (дословный перевод с итальянского – хвост, шлейф, конец). Кода вносит последний многозначительный штрих, «формулирует» окончательный вывод произведения.

Она опирается на ранее звучавшие темы – главную, побочную или тему вступления, которая нередко предшествует экспозиции, выступая в роли пролога к основному действию. Мотивы вступления могут быть использованы и в разработке.

Таким образом, классическая форма симфонии с использованием сонатной формы имеет следующую схему:

• вступление;
• экспозиция (главная, побочная темы);
• разработка;
• реприза (главная, побочная темы);
• кода.

Разновидности симфонии

Это интересно:

Классическая симфония – это музыкальное произведение в сонатной циклической форме, предназначенное для исполнения симфоническим оркестром.

В симфонию (помимо симфонического оркестра) может быть включён хор и вокал. Существуют симфонии-сюиты, симфонии-рапсодии, симфонии-фантазии, симфонии-баллады, симфонии-легенды, симфонии-поэмы, симфонии-реквиемы, симфонии-балеты, симфонии-драмы и театральные симфонии как разновидность оперы.

Симфонический оркестр

В классической симфонии обычно 4 части:

первая часть – в быстром темпе (аллегро), в сонатной форме;

вторая часть – в медленном темпе, обычно в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;

третья часть – скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);

четвёртая часть – в быстром темпе, в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.

Но бывают симфонии и с меньшим (или большим) количеством частей. Существуют и одночастные симфонии.

Программная симфония – это симфония с определенным содержанием, которое изложено в программе или выражено в названии. Если в симфонии присутствует название, тогда данное название и является минимальной программой, например, «Фантастическая симфония» Г. Берлиоза.